jueves, 8 de agosto de 2013

EL ARTE COMO UNA HERRAMIENTA DE TRANSFORMACIÓN SOCIAL.

UN VEHÍCULO DE TRANSMISIÓN DE VALORES IGUALITARIOS  


“La cultura es el fundamento necesario para un desarrollo auténtico”
(UNESCO, Conferencia Mundial sobre las Políticas Culturales Declaración de
México, México D.F. 1982 p.46)

                                                                                                                   
“Arte no es solamente una contemplación, es también un acto,
y todos los actos cambian el mundo, por lo menos un poco”

Tony Kusher




El arte, a pesar de haber sido empleado e instrumentalizado en infinitas ocasiones por los grupos de poder,  no es un transmisor obediente de información, sino que, al contrario, evidencia las relaciones de poder y desequilibrio que se imponen desde los sistemas vigentes.

El arte, a nivel estructural, permite un desarrollo democrático de las prácticas, donde es posible apartar las diferencias de género, cultura y nivel socioeconómico. Estamos ante una forma alternativa de formación y educación, de creación de comunidad, de recuperación de memoria y de desarrollo de formas creativas de resolución de conflictos. Pero, ante todo, estamos ante una potente arma de transmisión de valores.

Es necesario redimensionar el concepto de arte y entenderlo aquí en dos acepciones: en primer lugar como una herramienta de comunicación a mayor o menor escala y en segundo, como una propuesta educativa y formativa con unas características exclusivas y potentes tanto a nivel formal como no formal.

En este aspecto es importante partir con unos fuertes cimientos feministas y equitativos en género. En este punto preciso es en el que es esencial la presencia de la mujer o de la mirada feminista como eje de transmisión de valores.

A través de prácticas artísticas como el teatro, la danza, el vídeo, la pintura, el diseño gráfico o la música se pueden desarrollar metodologías no formales de intervención social comunitaria. Es decir, una intervención comunitaria y una efectiva incidencia en el desarrollo de identidad a través de la cultura y el arte.

En estos casos, aunque sí se pueda exigir la máxima calidad, lo verdaderamente importante reside en el proceso. Lo que no impide, insisto, que encontremos obras o productos finales de verdadera calidad.

¿Cuáles son las condiciones que hacen del arte una potente herramienta de transmisión de valores y, por tanto, de educación en género?

En primer lugar, se trata de un lenguaje universal. Más allá de las fronteras idiomáticas, en todas las culturas se han desarrollado siempre diversas manifestaciones artísticas. Porque la expresión y la comunicación ya hemos entendido que es una necesidad del ser humano. 

La práctica artística es un vehículo transmisor de experiencias donde pueden reconocerse fácilmente vivencias comunes. Donde el sujeto puede identificarse y desarrollarse superando una problemática común.  Posibilita relaciones equitativas en las que re-descubrirse y enriquecerse.

Favorece y estimula cambios individuales, los cuales son esenciales para un verdadero cambio social. La superación de los patrones machistas ha de llegar desde los sistemas de poder y desde los propios individuos que conforman la sociedad, tanto hombres como mujeres.



EL CUERPO COMO ESPACIO PARA LA COMBATIVIDAD

Ahora me gustaría acotar la teorización a un campo concreto. Un terreno específico y fundamental en el  que es evidente el sesgo de los arquetipos patriarcales: el cuerpo. Este terreno abarca, además, muy diversas disciplinas. Desde aquellas que lo representan, como las pictóricas o aquellas que lo emplean como instrumento principal, como el teatro o la danza.

El cuerpo ha sufrido la evidencia de la imposición del ideal patriarcal de la mujer y la realidad de la violencia y la represión existente y perpetuada por una sociedad sexista.


El cuerpo es, por tanto, un lugar desde el que resistir y combatir. Desde él ha de elaborarse un proceso de reconstrucción. Desde él hay que trabajar para alcanzar el paso de la definición del cuerpo de la mujer como víctima, a una interpretación de su capacidad como agente creador. Pasar de la pasividad y la aceptación de patrones a la creación y libre auto-definición. En necesario pensar nuevas formas de hablar desde le cuerpo que superen su concepción como objeto obediente. Como dice Mari Luz Esteban en su libro “Antropología del cuerpo. Género, itinerarios corporales, identidad y cuerpo”, el cuerpo se ha de erigir como una agente activo, sujeto de sus propias particularidades y trayectorias y, por tanto, promotor de cambios colectivos



Paula Pascual

lunes, 12 de noviembre de 2012

'CENTRO DE ARTESANÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS', NUEVO ESPACIO PARA LA EXPERIMENTACIÓN, INVESTIGACIÓN Y FORMACIÓN EN LAS ARTES ESCÉNICAS



En triBall se abre un espacio de 326 metros cuadrados dedicado a las artes escénicas y visuales el próximo 17 de noviembre.

El Centro de Artesanía de las Artes Escénicas, un proyecto de Residui Teatro, es un espacio con tres salas de ensayo, un escenario “íntimo” y un taller  que busca completar la oferta lúdica con presentaciones para todo público y formativa con charlas, talleres y cursos.

Un espacio de 326 metros cuadrados ubicado en el Triángulo de Ballesta, una zona madrileña que está dando origen a un nuevo concepto de barrio, puesto que ya se han instalado allí pintores, galeristas y otros colectivos relacionados con el mundo de la cultura y el arte.

“Queremos un lugar donde los actores y los bailarines, al igual que los artesanos, puedan construir paso a paso su sabiduría; con el alma, la paciencia, la experiencia y la ayuda de los buenos maestros que vamos buscando y encontrando por el mundo” afirma  Gregorio Amicuzi, director de Residui Teatro desde el año 2000.

Para la inauguración del 17 de noviembre está prevista una gran fiesta organizada en colaboración con el colectivo Madera de Cayuco: Pasacalles a cargo de la banda Million Dollar Mercedes Band, inauguración de la exposición “Pigmento y entramado. Hablar a través del color y la textura” de Lydia Mba, lecturas por Dider Otaola y Silvia Arribas dentro del proyecto Theatre Uncut, Mazij Trio animará con su música y la nota divertida la pondrá el dúo CC con un número de clown. Residui Teatro clausurará la velada con una lectura dramatizada.

Inauguración
Centro de Artesanía de Las Artes Escénicas
Dirección: C/ De la Nao 4
Hora: 9:00 pm
Metro: Callao, Gran Vía
Entrada libre.
Telf: 648665194

RESIDUI TEATRO
La compañía nació en Roma y desde el 2000 es dirigida por Gregorio Amicuzi. En 2007 la compañía se muda a Madrid donde empieza un nuevo recorrido artístico que los lleva por todo el mundo. Han producido más de 10 espectáculos y también han trabajado en ámbitos culturales, artístico y  educativo colaborando con Médicos sin Fronteras (España) y Payasos sin Fronteras entre otros. Han recibido varios premios y becas entre los cuales destacan BecaIberoescena 2011, Beca de Residencia artística en el Fabrik Potsdam (Alemania).


jueves, 1 de marzo de 2012

IMÁGENES EXTREMAS DE MUJERES A TRAVÉS DE LA COMBATIVIDAD Y DE LA RESISTENCIA






Nieves Correa realizará: Till Doomsday 


Por Paula Pascual de la Torre


Enmarcadas en el recién estrenado festival “Miradas de Mujeres en las artes visuales”, el próximo sábado 3 de marzo se celebraran en el espacio cultural Matadero de Madrid las jornadas: “Imágenes extremas de mujeres a través de la combatividad y de la resistencia”. La Fundación Lydia Cacho es la organizadora de la iniciativa.

Este evento, que precede al 8 de marzo, día internacional de la mujer,  recoge las obras de diversas artistas iberoamericanas que, en su creación, utilizan su propio cuerpo como arma y elemento de resistenciapara combatir la represión  y la violencia de regímenes totalitarios y patriarcales. Janet del Toro, Teresa Serrano, Regina José Galindo, Alicia Framis, Lorena Wolffer y Nieves Correa son las artistas invitadas. 

Ellas mismas se convierten en el sujeto principal de las manifestaciones artísticas. Personificaran en sus obras un recorrido a través del cual su cuerpo será la evidencia de la represión y la violencia existente y perpetuada por una sociedad eminentemente sexista y desigual. La propuesta es valiente y rompedora, son artistas cuyo trabajo es “un desafío constante de irreverencia y provocación a través de imágenes extremas que indagan sobre el arte corporal”. 






Janet Toro (Chile) El cuerpo de la memoria


  
La muestra estará formada por distintas disciplinas (propuestas audiovisuales, performance, pintura…) que se presentarán  a lo largo de una jornada que ofrecerá también una mesa redonda bajo el título: “Imágenes extremas y su función para agitar conciencias".  

Esta forma extrema de arte, su condición directa, impactante y provocadora, ¿puede constituir una herramienta útil para la lucha contra la desigualdad? ¿El impacto es efectivo? “Todo arte es una herramienta de comunicación, pero hay ciertas tipologías artísticas más efectivas. Nosotros queremos concienciar y comunicar y el videoarte y la performance son formas de arte concebidas para esto. Son más rápidos, comunicas en muy poco tiempo y de manera impactante. La experiencia es directa, real, no necesitas nada que lo descodifique. Estas artistas escenifican, hacen directa la denuncia”, dice María Noguerol, coordinadora de la iniciativa.

Irene Ballester es la directora del proyecto y la investigación:  “El hecho de que estén presentes en este evento tanto artistas  latinoamericanas como españolas, nos permitirá establecer un diálogo a través del cual, se dé a conocer que el  feminicidio, no es sólo un problema del mal llamado tercer mundo, sino que en España, como en Latinoamérica, hay mujeres artistas que han cobrado conciencia ante esta situación y han hecho un arte a favor de los derechos humanos de las mujeres, vulnerados tanto en tiempos de conflicto armado como en tiempo de paz”









Lorena Wolffer realizará: Mientras dormíamos: el caso Juárez




El evento, que ha recibido el apoyo del antiguo Ministerio de Cultura, estará a lo largo de todo el sábado día 3 de marzo en la Nave 16 del Matadero de Madrid. Un espacio que ofrece la oportunidad de profundizar en la situación de las mujeres y reflexionar sobre las causas de la violencia y la desigualdad.


Por Paula Pascual de la Torre


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jueves, 2 de febrero de 2012

JUAN CARLOS GENÉ. AQUÍ NO SE CIERRA EL TELÓN




 
Grupo Actoral 80 


El teatro se quedó más vacío desde el martes. Como un escenario que de un día a otro pierde a un actor con mucha presencia y se queda desequilibrado, incompleto. 

El pasado día 31 de enero falleció en Buenos Aires Juan Carlos Gené. Este dramaturgo, director, actor, docente, ensayista, escritor, sindicalista que marcó la escena argentina y contemporánea tenía 82 años, que bien podrían haber sido cien más por lo prolífico de toda su obra; por su absoluta entrega a la profesión dramática. 

Juan Carlos Gené, maestro de maestros como Claudio Tolcachir o Héctor Manrique (actual director del Grupo Actoral 80) comenzó su carrera como actor en la década de los 50, en la televisión. La dictadura obligó a Juan Carlos Gené a migrar de su Argentina natal en 1977 y se trasladó a Venezuela, donde su “hiperactividad artística” dejó también huella. En Caracas fundó en 1983 el Grupo Actoral 80. A partir de entonces, tras el regreso de la democracia argentina, Gené vivió entre estos dos países y, de esta manera, comenzó a desarrollar un puente entre países, a integrar el teatro latinoamericano. Tanto es así que estuvo al frente del Instituto de Estudios Teatrales para América Latina, del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (Celcit).


 
Juan Carlos Gené en "Golpes a mi puerta". Grupo Actoral 80


Algunas de sus obras fueron El herrero y el diablo Se acabó la diversión (1967), Golpes a mi puerta, El sueño y la vigilia, Ritorno a Corallina, Todo verde y un árbol lila y El Inglés. Su último montaje fue nada más y nada menos que una versión de Hamlet,  en agosto de 2011. 

Se podría hacer una enumeración interminable de sus obras como director, como actor o como escritor. Una lista infinita de nombres de profesionales que hoy lloran la muerte de su maestro.  Pero, en su lugar, me parece oportuno reproducir, como ya han hecho la mayoría de diarios argentinos,  las palabras que Gené hace tres años pronunció acerca del tiempo y de la vida para el periódico argentino “Clarín”:

“Mi sensación es la misma a cuando uno ha pasado una bella temporada de verano en un lugar. De pronto llega el otoño, se están yendo los veraneantes, cambia el clima: ese tono de las obras de Chejov. Uno mira todo y sabe que se tiene que ir”.

Para Juan Carlos Gené llegó el otoño y a nosotros nos dejó un jardín de los cerezos cargado de frutos, porque todo en la vida para él fue teatro y seguirá siéndolo. Aquí no se cierra el telón.
  
 

Por Paula Pascual de la Torre


Publicado en www.elportalvoz.com

jueves, 1 de diciembre de 2011

"RESPETO MUCHO LAS CARRERAS TAN FIELES AL PROPIO DESEO"



 Imágenes del espectáculo "Los Ojos" 


Entrevista a Pablo Messiez

Por el final del pasillo del Teatro Fernán Gómez aparece Pablo Messiez con el paso calmado. Actor y, desde hace unos años, también director y dramaturgo, ahora dirige el espectáculo “Los Ojos” en este teatro madrileño cuyo nombre pertenece a uno de los mejores hombres que dio vida el teatro y el cine español.

Este argentino es un hombre grande. Pero no queda claro si es una cuestión de altura o de presencia. Llena el espacio de una manera serena y contundente. No es una presencia llamativa, sino un estar tranquilo y discreto pero que llena el espacio y parece pisar el suelo de verdad. Eso es,  pies en la tierra y cabeza en las nubes. Es Pablo Messiez.

“Los Ojos” cuenta varias historias que se entrecruzan y se hacen una sola. Una única historia sobre las relaciones humanas, sobre el miedo y el amor. “Los Ojos” son aquellos que marcan la vida de Pablo, un chico ciego de nacimiento y que recupera la vista tras una operación y son también los que aterran a Nela, enamorada completamente de su Pablo ciego. En esta historia se entrecruza también Natalia, madre de Nela y también ciega, pero de amor. Y todos, vulnerables y sintiendo, sintiéndolo mucho, irán regalando al espectador un recorrido personal sincero y honesto. Los actores, fantásticos, te dejan sin palabras porque les ves habitar y ahogarse en las suyas; en su delirio doloroso y sus ganas de querer. Un texto inteligente cargado de musicalidad  y poesía. Forman el elenco Fernanda Orazi, Marianela Pensado, Violeta Pérez yÓscar Velado.


Nos cuenta su director que la idea surgió después de que leyese la novela “Marianela”, de Benito Pérez Galdós y germinó gracias a alguna experiencia propia del autor y alguna que otra coincidencia: “Definitivamente esa lectura se cruzó con mi biografía y del choque nació 'Los Ojos''.

Al hablar Pablo Messiez te mira a los ojos hasta que se pierde divagando, buscando su respuesta, siempre amplia. Siempre son muchas respuestas en una misma pregunta, pero todas dicen algo. Todas responden a aquello que en realidad y, quizás sin saberlo, le quisiste preguntar. Y al contestar se atropella, parece que miles de ideas se le agolpan en la cabeza con cada pregunta y va eligiendo cual de todas ellas desarrollar. La escoge, la cambia, la abandona…hasta que por fin una le invade y su voz la expresa. Aún con todo este debate en su interior, fácilmente le salen las palabras.

Imágenes del espectáculo "Los Ojos"  

“Los Ojos” lleva ya una semana en el teatro ¿Qué acogida ha tenido el espectáculo? ¿Es la que esperaba?

La verdad es que más de lo que esperaba. Hoy salió la primera crítica pero antes no había habido y se ha promovido el boca a boca. El fin de semana se llenó la sala…estamos muy contentos

Los espectadores sobre todo han hablado de lo que la obra les ha hecho sentir. ¿Perseguía un viaje emocional en el público?

Yo en realidad cuando me pongo a escribir o dirigir no pienso mucho en el público o en lo que va a provocar y, de hecho, luego me sorprendo cuando veo sus reacciones.  Por ejemplo ahí siempre descubro más el humor que cuando escribo, cuando escribo no soy tan consciente. Con esta obra también me pasó, por ejemplo pensé que “Los Ojos” era mucho más oscura…Pero también, y con suerte porque el humor es algo que me gusta mucho, descubro que la gente la recibe con mucho humor. Cada pase es diferente y cada día el público hace que la cosa se convierta en otra. Se genera una cosa así de contagio entre lo que esta en escena y lo que el público recibe y se contagia esa energía….y ahí hacen que funcione en un plano de comicidad mas hilarante y otro día haces el viaje emocional mucho más denso.  No es que a priori yo pensara en emocionar…simplemente quise escribir algo que me interesaba decir.

Si pienso en mí como espectador. Pienso qué me gustaría ver a mí. Si uno es fiel con lo que uno quiere, después por mas que a otra gente no le guste vos estás tranquilo de que no lo hiciste para agradar sino que lo hiciste porque necesitabas hacerlo. Porque te gustaba.



Imagen rueda de prensa del espectáculo "Los Ojos"



Al hablar de este espectáculo ha incidido en la necesidad de distanciarse para entender mejor las cosas ¿Cómo se distancian los personajes en “Los Ojos”?

Como pueden; en esos momentos en los que se ven a ellos mismos. Por ejemplo, cuando Natalia (en la obra una de las protagonistas, madre de Nela, interpretada por Fernanda Orazi) le habla a su hija y puede distanciarse de su dolor y ver el dolor de su hija…Tienen esos momentos fugaces de lucidez donde pueden mirarse con distanciamiento y eso me parece que les hace bien, les hace reconocerse más claramente.

¿Cómo fue el proceso creativo?

Primero escribí un texto que sabía que tenía que modificar porque no estaba del todo conforme con la estructura. Tuvimos un primer mes de ensayos donde yo puse a prueba ese texto con los actores y ahí ya me hice una idea de qué funcionaba y qué no.  Eso fue en julio. Luego yo en agosto me tomé un mes para reescribir y ya a fin de septiembre nos volvimos a juntar para ensayar. De todas formas, incluso después de septiembre yo seguí modificando cosas…A mí me gusta mucho trabajar los textos con los actores y si hay cosas que no funcionan pues las quito. Ellos mismos van colaborando en hacerse cómodos los textos.

Salvo algunos textos que sí me importa mucho que estén tal cual fueron escritos, que en general son monólogos. Estos son para mí como arias que quiero dejar ahí y no quiero que se cambie ni una coma. Luego, en las escenas más de diálogos lo que a mí me importa es que la situación esté viva más que digan exactamente esa palabra.

Me gusta también mucho la música. Y además de integrar la música en los espectáculos me gusta pensar el texto como música.

Se inició en el mundo del teatro con la interpretación. ¿Tiene ganas de volver a crear como actor?

Sí. Me muero de ganas. Yo de hecho me considero mucho más actor que otra cosa. Más que director y mucho más que autor. Esas cosas vienen después y…no se bien por qué; no se, aparecieron.

Tampoco a estas alturas de mi vida... (se ríe al darse cuenta del propio peso de esta afirmación)  no quiero actuar en cualquier cosa. No sé, me interesa alguna gente, algunos proyectos...y lo haría solo porque tengo ganas, no para ganarme la vida. ¡Aunque bueno, con tanta exigencia es difícil! Pero bueno, uno puede ir consiguiendo lo que quiere si pone toda su voluntad y su cuerpo en una dirección…yo últimamente no la puse tanto en la dirección de actuar. Quizás para cuidarme un poco…quizás para ser más dueño de lo que haces. Como actor en última instancia el dueño de lo que pasa es el director…

Bueno, en fin, quiero volver a actuar y se que lo volveré a hacer. Autodirigirme me parece muy complicado, a priori no lo haría. Bueno, Fernanda Orazi dirige también y ya hablamos alguna vez...ya veremos, algo haremos.
  


Imágenes del espectáculo "Los Ojos"  

A Pablo Messiez se le iluminan los ojos al imaginar esta posibilidad de crear e interpretar con su amiga Fernanda Orazi.  “Yo suelo trabajar siempre con la misma gente lo necesito y además pienso que se gana mucho tiempo. De hecho los textos están escritos para los actores, yo pensé en ellos cuando los escribía”.

Antes de finalizar la entrevista había en el aire una necesidad de conocerle un poquito más, de preguntarle por sus gustos y admiraciones.

El otro día en una rueda de prensa dijo, literalmente “Estoy contento de estar en España porque estoy en el mismo país que Victor Erice”. ¿Qué hace si le ve? ¿Cómo reaccionaría? ¿Qué le diría?

Yo soy muy malo para esas cosas…

Respeto mucho las carreras así tan fieles al propio deseo. Es tan fácil confundirse con tanta cosa…hay tantos factores dando vueltas: Tener que ganar dinero para vivir, gente que te tienta con tantas cosas…creo que tiene que haber un vínculo de necesidad con qué quiero decir. Él claramente es un ejemplo de fidelidad. El es genial en algo que a mí me cuesta mucho que es dejar la mínima expresión de todo. Me encantaría en un futuro tener la delicadeza que él tiene para dejar ahí solo lo imprescindible. También es un trabajo de uno mismo con su propio ego. A veces uno se enamora de sus propias  ideas y luego eran solo ideas…y en realidad si las quitas hasta le hacés un favor a la obra. Después las cuentas a un amigo en un bar y ya está. Pero bueno es mi tercera obra y…de a poco. De hecho ya empecé  a escribir otra y digo…¿y esto a donde llegara? Bueno quien sabe yo seguiré haciendo lo que realmente necesito...quién sabe qué es.

¿Qué recomendaría de la programación teatral actual en Madrid?

A mí me encanta lo que hace Alfredo Sanzol. En particular "Delicadas" me gustó muchísimo y yo voy a ver mañana “En la Luna”, que es su estreno. Tiene un personal, se nota que es un tipo que habla de algo que le importa y desde un lugar muy honesto. A mí me parece muy conmovedor y me encantaría que su teatro se viera en Buenos Aires y se viera en todas partes porque me parece muy “español bien” como muy….eso, muy honesto, que habla desde un lugar que conoce y de cosas que conoce y eso pues siempre…es eficaz.


Y eficaz es también ir a ver “Los Ojos” si quieres disfrutar de un buen espectáculo sin más pretensiones que ser honesto y vivir. Defendiendo a gritos que vivir no es solo mantenerse vivo.


Por Paula Pascual de la Torre (publicado en la revista digital El Portalvoz)






miércoles, 12 de octubre de 2011

“00 Clown. Misión Desarme”, de Residui Teatro, llega a la Sala Montacargas .



La función se enmarca dentro del OTOÑO CLOWN y tendrá lugar los días 6, 7, 8,13, 14, 15 de Octubre a las 21.00


Llega la nueva temporada para Residui Teatro y la compañía estrena residencia en la Sala Teatro Montacargas con el espectáculo “00 Clown. Misión Desarme”. La función forma parte de la programación del festival Otoño Clown que se celebrará en El Montacargas hasta el 26 de noviembre.

Un hombre, un clown se enfrenta al absurdo de las armas. Ignazio Abbatepaolo, intérprete protagonista del espectáculo, aborda el conflicto de la violencia y las armas desde la inocencia y la ironía.  Su universo cotidiano, con el que el espectador, entre una risotada y otra, se identifica, es interrumpido por la aparición casual de un arma de fuego. El espectáculo es un conjunto de gags que nos acompañan al mundo íntimo y cotidiano del payaso, y nos invitan a reflexionar sobre el asunto de las armas. “OO Clown. Misión Desarme” ha tenido éxito, ya anteriormente, en ciudades como Madrid y México. Se encontrará en la Sala Montacargas los días 6, 7, 8,13, 14, 15 de Octubre a las 21.00



Residui Teatro es una compañía de origen italiano afincada desde hace tres años en Madrid. Ha inspirado esta función en encuentros e historias reales. La compañía ha participado en proyectos de cooperación en El Salvador, Argentina, Uruguay y ha realizado dos residencias artísticas en México. El teatro físico y las técnicas de payaso, son los elementos técnicos principales que han permitido poner en escena esta historia.

El festival Otoño Clown en el Montacargas, además de con Residui Teatro, cuenta con seis compañías que, durante los meses de octubre y de noviembre, mostrarán sus respectivos espectáculos. Una nueva apuesta de esta sala para la que la nariz roja ya es tradición.


sábado, 16 de mayo de 2009

“No me gusta trabajar con gente a la que no aprecio”

El cineasta Fernando Trueba habla de sus próximos estrenos

Por Paula Pascual de la Torre

Fotografías con Billy Wilder, Woody Allen o abrazado a Bebo Valdés aportan ya mucho a una primera impresión. Se desbordan las estanterías del estudio de Fernando Trueba entre tantos amigos retratados y tantos libros, discos, películas… y se oculta el color de la mesa de su escritorio con tanto papel encima. Detrás, el polifacético director hace un alto en su trabajo, el cual ya le ha llevado una vez a Hollywood a recoger un Oscar. Poco hay que decir sobre él, sobre cómo es, ya que se encarga de dejarlo claro cada vez que habla. Y habla mucho, eso sí.


Pregunta: “El Baile de la Victoria” es su próximo estreno, una adaptación de la obra de Antonio Skármeta que ganó el Premio Planeta en 2002. Hábleme de la película, ¿cómo surgió el proyecto?
Respuesta:
Me la propuso un productor italiano, aquel que ya produjo la del Cartero y Pablo Neruda, Il Postino. Normalmente cuando me proponen hacer películas sobre novelas, tanto si me gusta la novela como si no, digo que no. No me veo haciéndola. Pero esta me atrapó desde el principio, la estaba leyendo y ya estaba con la película rondando en mi cabeza., cosa que yo no suelo hacer. A mí me gusta mucho la literatura y nunca leo pensando en hacer una película como hacen muchos directores. Yo no ando pensando qué película voy a hacer porque siempre tengo siete que me apetece hacer.
“El Baile de la Victoria” es un poco una mezcla de estilo de todas mis películas. El libro lo he hecho muy mío, para mí es una película muy personal, aunque el guión no sea mío. No es necesario ser el autor del guión para hacer una película que tenga tu mirada, tu personalidad. Piensa en John Ford, Hisckot, los grandes directores ponen el sello y su personalidad en la película, da igual de dónde provenga el guión, y eso se nota. No es que me obsesione, pero eso es ser un autor.
P: ¿Cuándo se estrenará?
R: Calculamos que después de verano, en septiembre u octubre.
P: Y en el reparto está Ricardo Darin, Ariadna Gil…
R: Ariadna hace un papel especial, estuvo una semana cortita pero importante. En la película hay un trío principal, Ricardo Darin, Abel Ayala y Miranda Bodenhofer. La selección de Miranda [la joven que encarnará a Victoria en la película] para el personaje fue curiosa. Como tenia que tener 17 años y además yo quería que bailara, pues preferí coger una bailarina directamente. No una actriz y tener que cortarla en las escenas de baile…creí que perdería autenticidad. Esta chica fue la primera que yo vi. Antes de empezar a buscar una actriz, estaba viendo escenarios de Santiago de Chile, entré en la escuela de ballet, pregunte a qué hora entraban las chicas de esa edad y la vi a ella. Ya entonces me dije….esa es Victoria. Y bueno, luego hicimos castings ya serios, por Italia, Chile, España…pero volví a Chile a por ella. He tenido un magnífico equipo de rodaje, nos lo hemos pasado muy bien.
P: Al final acaba usted siendo muy amigo de la gente con la que trabaja...
R: O al revés. Trabajando conoces gente estupenda, pero no me gusta trabajar con gente a la que no aprecio, por muy buenos que sean. Para mi es muy importante la relación con la gente cuando trabajas. Por ejemplo, la relación que he tenido con mis tres actores ahora en Chile. Darin es un súper actor y además te esta haciendo reír desde las 8 de la mañana. Ahora hasta le echo de menos. [Se ríe y habla de la complicidad entre Darin y él. A Fernando Trueba se le nota a la legua que le encanta hablar de los suyos, contesta entusiasmado] Luego Abel Ayala es una maravilla también y se convirtió en una especie de hijo adoptivo para Ricardo y para mí. Y Miranda, que es la más joven, es también la más madura. Es un encanto, es trabajadora…eran relaciones estupendas, me gusta trabajar así. No puedo con los pesados, no tengo paciencia, y entre los actores hay mucho pesado. Unos por ir de estrellas y otros por ir de profundos, eso no lo aguanto. Yo siempre digo…prefiero Cary Grant a Marlon Brandon, es mi manera de decirlo. Cary Grant era un niño que tuvo una vida durísima y consiguió, no solo convertirse en una estrella sino sobreponerse a todas las adversidades y hacerse a sí mismo. Tienes que hacerte como tú crees que te gustaría ser, y es que tú eres lo que tú quieras hacer contigo, eres una escultura, una novela, escríbete. No estés preocupado por lo que eres, ¡no eres nada!, eres un cacho de carne con ojos, ¡hazte! ¡Se como quieras ser!
P: Y bueno, usted siempre…
R: ¿Es que es mi visión de la vida sabes? Suelto las cosas como las veo, a veces muy exageradamente.
P: Usted le ha dedicado, durante toda su vida mucho tiempo a la música. Estos años ha pasado mucho tiempo en Brasil investigando sobre Antonio Cerquéira, un pianista que descubrió escuchando un disco...
R:
Lo de Tenorio ha llegado a ser para mí una obsesión. Sus amigos incluso decían que me parecía a él. Ha sido para mi algo muy importante, espero que la película esté bien cuando la acabe…Lo que yo quiero hacer no es tanto un documental, sino la búsqueda de una persona que desapareció hace 30 años. Ver como a través de trocitos, de recuerdos de la gente, uno puede llegar a conocer a alguien, incluso a quererle. A apreciarle como artista como persona…después de todo este tiempo rastreando yo siento que soy amigo de Tenorio. Es una aventura muy bonita. Y lo bonito es que yo creo que era el gran músico, el gran pianista de jazz, y ha sido un tío olvidado. Lo tengo un poco inacabado pero a propósito. Cómo mi última película había sido “El Milagro de Candeal”, y los documentales la gente los ve como algo marginal…. pues no quería que mi próxima película fuese otro documental, otra vez en Brasil Porque hay otra cosa que dice la gente ¿Cuándo vas a hacer una película? Como si la documental no fuese una película. Para mi es tan película o más que otra. Entonces, ya que tenía varios guiones escritos, decidí parar Tenorio hasta haber hecho, al menos, otra película de ficción.
P: Uno de esos guiones está pensando para Penélope Cruz, ¿Algo más del estilo de su filme El Sueño del Mono Loco?
R:
Si, es más de ese estilo. Es un thriller romántico situado en Grecia que se llama “Haunted Heart”. Yo soy muy admirador de la escritora Patricia Highstmith, y es un guión al estilo de sus novelas, que empiezan la historia normal y acaban con un clima enrarecido.
Este año ya no da tiempo a hacerla porque, bueno, estoy acabando esta del Baile de la Victoria y estoy a medias con una película de animación con Mariscal, “Chico y Rita”, que serán mis dos próximos estrenos. Chico y Rita es una película de animación para adultos con mucha música. Es un homenaje a Bebo Valdés y su generación de buenos músicos.
Ocurre en os años 40 y 50 en Cuba y New York y es una historia de amor entre un pianista y una cantante. Es una película muy bonita y muy divertida. No estará hasta marzo o así del año que viene. [Penélope Cruz ya ha trabajado en dos ocasiones para Fernando Trueba. La primera vez lo hizo en “Belle Epoque”, la película con la que gano el Oscar a mejor película de habla extranjera. La siguiente en “La niña de tus ojos”]
P: Le quiero preguntar también por Bebo Valdés, que es un gran amigo suyo…
R:
Si, Bebo… mira, tiene ya 90 años y ahí está el hombre, y no se cuánto le queda…Él ya hace mucho que me dice “mira Fernando, yo calculo que me queda entre una semana y diez años de vida” y siempre me impresionaba esa frase. Claro, esta en esa edad en la que uno ya no sabe… Y la paz con la que el vive con eso es increíble, es una persona que a mí me ha enseñado muchísimo sobre humildad. Nunca se da la menor importancia, considera más importante cualquier trabajo que el suyo. Y el humor, la pureza que tiene…sigue siendo como un niño pero con 90 años. Nos conocimos con calle 54 y nos hicimos amigos al momento, fue un flechazo. Le quiero muchísimo a Bebo. Es uno de los mejores pianistas, compositores, directores y arreglistas que ha tenido Cuba. No es solo un pianista, o un músico de jazz…es ha creado que una parte de la que es todo a la vez.
P: Pasando ahora de lo concreto a algo más general, ¿Cree que este es un mal momento para el cine español?R: Si, el peor. Está abandonado y se han juntado muchas desgracias. La crisis endémica que siempre ha tenido el cine español, yo siempre lo he conocido en crisis, coincide con una crisis mundial económica tremenda; y además con una crisis mundial del cine, porque hay un cambio tecnológico. Mira, España es el país mundial de mayor consumo en cocaína y piratería. De eso podemos presumir, y nadie se atreve a decir nada porque creen que los jóvenes se les echarían encima. Y nadie se echa encima del verdadero ladrón, que es Telefónica y Vodafone. A gobierno le da miedo poner leyes contra eso y nos estamos cargando el cine. Y el malo no es el chaval, no es el público, sino los que te dejan robar. Si te dejaran robar en el Corte Inglés o en el Banco España, robarías. La situación es España es que no te dejan robar en el Corte Inglés pero en el cine y la música si. Pues robas. Y ya por si fuera poco, las televisiones privadas. Telecinco, Antena Tres…están haciendo una campaña contra el cine terrible, incumpliendo todos los compromisos. Y luego, por si fuéramos pocos parió la abuela. Ocurrió algo extraño en este país, cuando hubo la guerra y algunas personas del cine nos manifestamos en contra del cine pues como otros colectivos…a nosotros se nos identificó más. Y nos metieron a todos en el mismo saco, como si todos los del bloque fuéramos de izquierdas, y eso es mentira, hay gente de todo tipo. Pero con esa identificación ha habido una campaña contra el cine español desde todos estos medios, y eso ha creado que una parte de la población esté en contra del cine español. Y dices, ¿Puede haber algún problema más? Pues no. No se cómo va a salir el cine de esta. Y saldrá porque siempre se sale, pero esta difícil.